香港 — 縱觀全球藝術史，花卉顏料提供了一種獨特且脆弱的色彩語言，在礦物與合成顏料主導的畫布之外，佔據了重要地位。這種由花瓣萃取的顏料，如一種精細的妥協，挑戰了藝術對永恆性的追求，其易逝性反而賦予作品一種不斷演變的生命力。
在化學工業化穩定色彩之前，顏料製備是一個從自然界中細心提取的過程。雖然礦石提供了基礎土色，昆蟲提供了深紅，但花卉則貢獻了更為稀有、明亮卻往往極度不穩定的色彩。專業藝術歷史學家指出，與花卉色彩為伍，即是接受一種動態的創作模式，要求藝術家對時間、光線和衰變有深刻的理解。
有機結構與短暫美學：花卉顏料的化學本質
花卉顏料的本質特性使其區別於耐久的礦物顏料，如赭石或青金石。大多數花色源自花青素、黃酮類和類胡蘿蔔素等有機化合物，這些物質對環境因素（包括光線、空氣和酸鹼度）極為敏感。
專家解釋道，這意味著使用花卉顏料創作的藝術家，其作品並非靜態物件。隨著時間流逝，色彩必然會褪變、柔化甚至消失。這種特性在早期水性媒介（如墨水、蛋彩、手抄本水彩）中尤為普遍。儘管藝術家會添加阿拉伯膠或動物膠等膠質來幫助懸浮，但仍無法完全阻止其不穩定性，從而形成一種細膩而非永久的視覺敘事。
儀式與象徵：古代世界的花卉色彩
在古代文明中，花卉顏料常基於儀式和象徵意義而被採用。在古埃及，藍睡蓮花瓣的萃取物被用於莎草紙和壁畫，儘管其藍紫色不如礦物顏料持久，卻承載了重生與神聖的象徵，將繪畫表面與精神領域連結。
在南亞和東南亞，花卉如紅花樹（Palash）的花朵被製成鮮豔的橙色，用於宗教圖像和寺廟壁畫，色彩呼應了苦行僧袍與神聖之火，強化了信仰聯想。同樣，在中美洲，特定花朵製成的紅黃色顏料用於手抄本，其鮮明度超越了耐久性考量。這些藝術品會定期更新，視褪色為自然循環的一部分。
東亞文人美學：無常哲學的體現
在中國、韓國和日本，儘管墨與礦物顏料佔據主導，花卉顏料卻被用於創造柔和、富有氛圍感的色彩，與文人美學不謀而合。
紅花（Carthamus tinctorius）是東亞最重要的花卉顏料之一，能產生粉色與紅色。藝術家深知紅花易褪的特性，並將這種短暫性與佛教及東亞哲學中的無常觀念結合。如今，日本繪卷和浮世繪中許多看似柔和的色彩，正是紅花顏料經過數百年光線洗禮後留下的痕跡。此外，梔子花提供的黃色調則常被用於點綴服飾或光線。
現代迴響：對永恆性的反思
隨著文藝復興時期更持久的礦物顏料與工業化合成顏料普及，花卉顏料在主流藝術中一度衰落。然而，在當代藝術實踐中，花卉顏料正經歷一場引人注目的復興。
現代藝術家們刻意擁抱花卉顏料的不穩定性與生態共鳴，將研磨和發酵的花瓣顏色應用於裝置、表演藝術或公共「褪色作品」中。他們不再視花卉為單純的色彩來源，而是將其視為合作夥伴，透過藝術品展現自身生命週期。
總而言之，花卉顏料的歷史是一部關於與自然協商而非征服自然的色彩史詩。它提醒我們，藝術如生命般，因其短暫與不斷變化的本質而顯得格外珍貴與耀眼。這種色彩的無常性，正是其歷經數千年仍能訴說引人入勝故事的獨特魅力。